L'artista Matthew Angelo Harrison complica il rapporto tra agenzia ed estetica

Dopo un cenno alla Biennale del Whitney, l'artista rappresentata da Jessica Silverman attende con impazienza una presentazione alla Kunsthalle Basel 2020.

In un pomeriggio recente, lo scultore Matthew Angelo Harrison, con sede a Detroit, fa da guida attraverso la Biennale del Whitney 2019, indicando i suoi pezzi preferiti. È uno dei 75 artisti inclusi nel sondaggio senza titolo e, a 29 anni, si unisce a tre quarti del roster di età inferiore ai 40 anni, rendendo questa iterazione la più giovane del museo fino ad oggi. Tra le sue scelte migliori ci sono l'assemblaggio di strumenti rituali scolpiti da un albero da lei tagliato da parte di Tiona Nekkia McClodden, accompagnati da un video che ne documenta la produzione; una fotografia in bianco e nero di Elle Pérez che mette al centro una coppia abbracciata, uno dei cui seni è avvolto nella plastica e porta i segni dell'ago gioco (piercing eseguito per il piacere della sensazione); e una coppia di ritratti di natura morta frammentati di Paul Mpagi Sepuya realizzati in collaborazione con lo scrittore Ariel Goldberg. Illuminando le pareti di una stanza al quinto piano del museo, le fotografie di Sepuya - per le quali utilizza specchi, treppiedi e la presenza della fotocamera stessa per interrogare la relazione tra artista, strumento e composizione - circondano e completano le creazioni ibride di Harrison. Per il suo contributo, Harrison presenta sei nuove sculture nella sua serie Dark Silhouettes. Ciascuno presenta un manufatto immerso nella resina, poi tagliato con precisione da un router CNC in totem rettangolari di varie dimensioni e impresso con forme meccaniche che segnano la carezza della macchina. Quattro lance Dogon e due idoli di legno provenienti dall'Africa occidentale - alcuni autentici pezzi d'antiquariato e altri prodotti in massa per la vendita in Occidente - appaiono oscurati all'interno, come congelati nel ghiaccio, un effetto intenzionalmente ottenuto da Harrison per comunicare un'idea che lui chiama "ascendenza astratta". ." Si siedono su eleganti piedistalli di metallo modellati secondo i design belgi della metà del secolo, alludendo alla storia della colonizzazione del paese in Africa.

"Per potersi relazionare e assimilare nel luogo in cui si trovano culturalmente i neri americani, hanno dovuto riappropriarsi dell'immaginario africano per creare la propria idea di cosa sia la patria", dice. Avvicinandosi alla sua arte come un produttore techno (un sintomo della sua educazione nel Michigan), Harrison nota che la provenienza degli oggetti, come un campione all'interno di una traccia, è meno importante del prodotto finito. Una volta che questi oggetti raggiungono le sue mani, perdono la loro energia cosmica. "Ho rimontato la storia di queste cose e le ho inserite nella mia narrativa di persona di colore che è stata completamente rimossa dai suoi antenati."

Al centro della stanza spicca un pezzo. Intitolato Worker Fragment Gleam (2019), a prima vista consiste in un faro BMW mozzato e fluttuante e appare come un esemplare in una campana di vetro. Harrison, un ex dipendente della Ford, nota che l'auto è stata assemblata in una fabbrica di Detroit: "La pensi come un'auto europea quando, in realtà, viene guidata qui, assemblata qui e consumata qui", dice. Se vista nel suo insieme, l’installazione funziona come una potente metafora visiva della perdita e della ricomposizione della cultura come risultato della globalizzazione e dello scambio tra produzione e vita umana. Con una tavolozza tenue di marroni e grigi, l'affermazione sembra temperata, persino concreta.

"Tutti questi passaggi che avvengono a causa della globalizzazione lasciano una traccia. Tolgono qualcosa all'identità di ogni cosa", dice. "Una volta che la rabbia se n'è andata, come possiamo effettivamente adattarci a questi cambiamenti sismici nella cultura e renderli, non necessariamente giusti, ma funzionali in un modo che sia utile a tutti per comprendere la storia? È un processo di riabilitazione."

Sebbene alcuni critici della Biennale di quest'anno sostengano che alla mostra manchi il fuoco radicale di cui è diventata sinonimo nel corso dei suoi 79 anni di storia, molti artisti sono riusciti con successo a ritagliare spazio per un lavoro sottile, un'arte che ribolle piuttosto che gridare. . Con un’allusione potente ma inebriante alle complessità della cultura nera americana contemporanea, alterata per sempre dalle maree del colonialismo e della globalizzazione, Harrison difende la causa dell’azione piuttosto che dell’indignazione.